apprendre à dessiner

Note : 24

le 18.08.2015 par mctyson

9 réponses / Dernière par MOTHRA 2000 le 24.04.2016, 07h52

Parce que des fois, on fait autre chose que regarder Netflix. Partagez et discutez ici de ce que vous aimez et de ce qui vous intéresse.
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Hej bonsoir à tous,
J'essaie d'apprendre à dessiner en ce moment, et mes résultats ne sont pas très concluents...
mais j'aimerais vraiment savoir dessiner/peindre!

Auriez-vous des conseils pour débuter?
Quel place occupe le don par rapport au travail/entraînement?
En combien de temps peut on espérer dessiner "proprement"?

Merci pour vos réponses :)
La réussite, c'est 1% de talent, 99% de travail régulier.

Le temps est variable, selon le niveau que tu veux atteindre, ta motivation, ta régularité...

Tu peux peut-être prendre des cours avec une asso pour avoir les bases et ensuite continuer ton parcours tout seul? Si tu ne peux pas te payer des cours, il y a aussi des livres de techniques adressés aux débutants en médiathèque.
Quel place occupe le don par rapport au travail/entraînement?
Le 'don' est une qualité inventée par ceux qui ont la flemme de travailler.

... Un peu sec, mais il y a du vrai.

Je pratique le dessin, et sans non plus être un monstre, je me débrouille. Comment ? Je dessine depuis tout petit (car l'école m'ennuyait, entre autres). Puis j'ai poussé plus loin avec des livres et tutos sur le net.

On peux à la rigueur parler de prédispositions. Dans le cas du dessin, je pense avant tout à l'observation. Peut-être j'ai eu la chance d'avoir un bon regard sur les choses.

Ce sera d'ailleurs mon unique conseil (au-delà de t'exercer régulièrement, à différents styles, différentes techniques, grâce à des cours, des livres, des tutos sur le net, bref, les ressources ne manquent pas) :

Dessine avec tes yeux, pas ton cerveau.

Je te laisse cet exemple en image, qui en dit pas mal sur le sujet :

Il s'agit de se détacher des idées que l'on se fait de ce que l'on voit, pour réellement les observer.

Par exemple, tu dessines une tasse. Ton cerveau te rappellera que la hanse a telle courbure, ou que la forme globale est cylindrique, etc. et orienteront tes traits.

Alors qu'en te fiant uniquement à tes yeux, il n'y aura plus de tasse, en quelque sorte. Seulement des ellipses, courbes, et traits droits divers.

En espérant t'avoir aidé.
    Notes et commentaires reçus par ce post :
  • [0] Absolument le 19.08.15, 12h47 par Tana
  • [+1] Intéressant le 19.08.15, 18h18 par mctyson
  • [0] Non le 10.09.15, 12h40 par Mr.Smooth
  • [+1] Oui le 10.09.15, 20h08 par voucny
Salut,

Je reprends tes questions, auxquelles je vais essayer de répondre au mieux une à une.

Auriez-vous des conseils pour débuter?

Pour débuter, je te conseillerais de voir les bases. C'est comme n'importe quelle autre matière, il y a des fondamentaux à acquérir, en quelque sorte des règles à respecter si tu veux pouvoir t'exprimer et que ton image aie un sens et soit compréhensible.

Pour acquérir ces bases, il faut du temps, beaucoup d'entrainement et de la patience. Le processus se compose de deux parties: la partie d'études, d'apprentissage, de reproduction pour la première.
Puis vient la partie la plus intéressante, celle ou on utilisera ce que l'on a appris et compris dans des créations personnelles, dites d'imagination.

1. Dessin à la ligne, au "trait"
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a. Anatomie et les lignes de force
L'anatomie, qu'elle soit humaine ou animale est essentielle. Pour dessiner quelque chose, il faut d'abord comprendre les volumes qui composent ce qu'on désire faire.

Etudier l'anatomie est primordial, dès lors que l'on désire dessiner personnages ou animaux. En ce qui concerne tout ce qui va être en mouvement, un autre point prend son importance, dès lors que l'on veut insuffler de la vie à un sujet; ce sont les lignes de force.

Les lignes de force sont des lignes imaginaires que l'on trace le long de la colonne vertébrale et le long des membres, afin d'avoir une direction à donner aux différentes parties du corps et que le personnage paraisse plus vivant, dans des poses plus naturelles et non rigides.

Pour s'exercer, rien de tel que le modèle de nu. Sinon le net est blindé de références à ce niveau là, notamment au niveau médical.

Deux bons sites pour s’entraîner: http://www.posemaniacs.com/thirtysecond et http://artists.pixelovely.com/

b. Perspective et environnement
La perspective va permettre de définir ce qui est proche de ce qui est lointain. Elle permet notamment de créer des décors, de s'attaquer aux architectures, à la robotique, et de créer des scènes incluant divers sujets.

Autant j'ai parlé de l'anatomie humaine et animale, autant le monde végétal possède aussi une structure à comprendre si on veut l'intégrer à un paysage.

Pour s'entraîner le mieux est de prendre un carnet et de dessiner ce que tu vois, faire de l'observation.

c. Composition de l'image, storytelling
La composition, c'est la manière dont on va guider l’œil au travers de l'image. Elle est notamment indispensable dès lors que l'on s'attaque à la photographie.

C'est elle qui va faire qu'un sujet (qu'il fasse partie d'un paysage ou qu'il soit vivant) va avoir plus ou moins d'importance, et c'est aussi elle qui va faire que l'image raconte quelque chose, qu'il s'y passe une action. On appelle ça le Storytelling.

2. Peinture, colorisation, mise en relief

Image

a. Ombres et lumières, valeurs
Un dessin sans ombres, c'est ce qu'on appelle du Lineart, ou l'art de la ligne. Dès lors que notre but est de faire ressortir un dessin avec des effets de profondeur, qu'il soit plus réaliste et concret, il va falloir y ajouter des ombrages.

Et qui dit ombrages, dit source de lumière et parties éclairées comme plus sombres car étant plus ou moins exposées à la lumineuse. C'est ce qui fait toute la différence entre le dessin au "trait" et la peinture. On va remplir les blancs par des nuances de gris plus ou moins claires ou foncées, et les traits du croquis de base vont être amenés à disparaître.

b. Couleurs
Une fois la théorie des valeurs et de la mise en relief abordée, on va pouvoir s'attaquer à un immense chapitre: les couleurs. En plus de la luminosité vont s'ajouter deux autres critères: la teinte et la saturation.

La teinte va déterminer la nature de la couleur; si c'est du rouge, du violet, du bleu.. et si elle est chaude ou froide.

La saturation, sera l'intensité de la teinte. Plus la saturation est forte, plus la couleur est pure. Plus la saturation est basse, plus la couleur est grisée.

Pour désigner une couleur, on utilisera le raccourci TSL
Teinte - Saturation - Lumière

Ici, on a le shéma TSL: le cercle autour est la gamme chromatique de teintes.
Plus on va vers la gauche, moins la saturation est forte; on tombe soit des les noirs, les gris ou les blancs. En haut la luminosité la plus forte, en bas la plus faible.
Image

c. Textures et effets de matière
Une fois toutes les autres bases acquises, vient la finition, la cerise sur le gâteau, le détail qui donnera dans certains cas un petit plus à l'image: les effets.

C'est ce qui donnera le grain du métal abîmé, ou encore le détail de la falaise rocheuse.

Sur l'outil numérique les textures et effets de matière sont travaillés de deux manières: soit par une brush (ou pinceau) texturée, soit par l'incrustation de photos.

Quelle place occupe le don par rapport au travail/entraînement?

Déjà, qu'appelles-tu le "don"?
Un ami m'a posé la question récemment. Pour moi, en matière de dessin, le "don" ou plutôt les prédispositions et les facilités sont en fait la maturité artistique et créative que l'on va avoir.

Par maturité artistique, je veux dire par là être capable de se remettre en question sur ses erreurs, son parcours, savoir quoi faire pour progresser, élargir ses connaissances sur ce qui s'est déjà fait par le passé, ce qui se fait et ce qui peut éventuellement se faire.

Par maturité créative, j'entends être capable d'imaginer et de dessiner quelque chose qui est capable de provoquer quelque chose chez le spectateur. Une émotion par exemple. Sans parler de tout le côté "technique" abordé plus haut, certaines personnes arrivent à faire passer un message, une émotion très facilement, de par leur style.

Mais un style, si on n'en a pas, ça se travaille.

Comment?

En élargissant nos connaissances artistiques, en étudiant comment tel ou tel artiste qui nous inspire procède, en testant des nouvelles choses. Bref c'est un peu l'histoire de la vie, mais au niveau du dessin.

Dire qu'un mec qui a à la base des facilités réussira mieux que celui qui n'en a pas se résumerait à affirmer que Bob l'AFC n'a jamais réussi à évoluer, ne choppera jamais et restera frustré et malheureux le reste de sa vie.

On est tous d'accord, c'est une jolie aberration :D

En gros, si tu bosses la technique, les bases, et que tu es curieux et cherches à gagner en maturité créative et artistique.. y'a pas de secrets tu progresseras. Bosser oui, mais bosser intelligemment.

En combien de temps peut on espérer dessiner "proprement"?

Tout dépend de l'intensité et du temps que tu vas te donner pour apprendre, mais surtout du but que tu vas te donner. Marc Simonetti (une référence française) a mis 3 ans pour arriver à son niveau actuel.

Par contre il y a passé plus de 8h par jour durant cette période pour arriver à ce résultat.

Une petite vidéo qui explique le parcours de gens qui ont des facilités et de ceux qui n'en ont pas.

[youtube][/youtube]

Je m'en vais dessiner moi, teh. J'ai une étude sur le feu qui m'appelle depuis que j'ai commencé à rédiger ce message.

:mrgreen:
    Notes et commentaires reçus par ce post :
  • [+2] Post de qualité le 20.08.15, 10h34 par Mr_Orange
  • [+1] A lire le 20.08.15, 10h43 par Tana
  • [+1] Instructif le 20.08.15, 14h01 par mctyson
  • [+2] Sympa :) le 21.08.15, 13h51 par Onmyoji
  • [+1] Instructif le 22.08.15, 01h18 par DTS
  • [+3] Constructif le 22.08.15, 09h51 par FK
  • [+3] Wow le 10.09.15, 13h04 par Blusher
  • [+3] Très intéressant le 24.04.16, 10h23 par Baijin
Zaik a fait un parfait résumé, joli post !

Je rajouterai un petit conseil supplémentaire : alterner travail et fun.

Je m'explique. Se pencher sur une nouvelle technique est parfois frustrant. Moi du coup, j'alterne travail technique et liberté. Un jour, je vais bosser mes couleurs et dégradés à l'aquarelle, bosser l'anatomie, etc. Et un autre jour me laisser aller. Juste à être créatif avec mon papier, mes outils, mon petit savoir, pour faire un truc perso, plus détendu.

Sur moi en tout cas, cela semble marcher.

En espérant avoir aidé !
Après plus de 10 ans de dessins académique, peinture, et art appliqué, l'une des bases principales pour tout dessins figuratif, avant la technique, la couleur, etc c'est la CONSTRUCTION du dessin.

C'est à dire :
La maîtrise simple du format sur lequel tu vas l'installer, comment il sera tourné, et composé.

Ensuite la maîtrise des proportions, des volumes et de la perspective, mais plus que tout l'observation de ceux-ci et leur compréhension. Si tu maîtrise ces notions là, tes dessins auront du sens quelque soit la "technique" que tu emploieras.

A contrario, si ton dessin est mal calibré sur la feuille, est mal construit et mal compris, il donnera un effet, fouillis et naïf et cela que tu emploie de pures couleurs, ou que tu arrive à donner de pures textures à ton ouvrage.

Tu dois montrer que tu maîtrise ton environnement de création, qui sont le volume physique (donc le format de ton support) et le volume "abstrait" donc le volume 3D de ton sujet dans l'espace fictif que tu créer sur le support.

Si tu prend conscience de ça et que tu parviens à le maîtriser aussi naturellement que possible tu pourras donner du sens à n'importe quel dessin que ce soit une huile de plusieurs mois de travail, ou un croquis jeté en 20 secondes (c'est le plus difficile en faite).

Si tu fais un dessin d'après modèles réelles (animaux, objets, modèles),
Certaines de ces notions peuvent être appliqué grâce à des instruments de haute technologie tel que :

La fenêtre miniature découpé dans un morceau de carton rigide.

Très pratique pour projeter en miniature comment ton modèle va s'inscrire dans ta feuille (la fenêtre doit être dans les même proportions que ta feuille).

La baguette en bois type baguette à brochettes que tu trouveras dans la cuisine de ta maman.

Pour prendre les proportions les distances entre divers points de repères dans ton dessin, tête => épaule, épaule => nombril, etc.

Enfin le "fil à plomb", qui est avant tout un fil à rôtie avec en leste un petit objet un peu lourd, genre une vieille clef, ou un plomb de pêche etc.

Pour obtenir de vrais point de repères verticaux.

Image

Image
    Notes et commentaires reçus par ce post :
  • [+1] +1 le 20.08.15, 17h54 par mctyson
Un petit exercice pour se décomplexer et faire travailler le cerveau DROIT
Tu prend un dessin, connu ou non, plus ou moins compexe, comme par exemple ceci (mais ça peut etre autre chose) et tu le met à l'envers.

Image

Tu commence par dessiner le haut de l'image retournée, de gauche a droite basiquement comme le sens de la lecture, mais bon c'est pas une règle stricte.
Le but du jeu est de voir les traits, les courbes les distances, et d'arreter de voir un visage, une main, un oeil, etc. mais plutot tout ce qui compose le dessin sans chercher à le définir. Le fait de mettre le dessin à l'envers aide grandement à désinhiber le cerveau à ce niveau là. C'est un bon exercice de départ :)
    Notes et commentaires reçus par ce post :
  • [+1] Intéressant le 10.09.15, 13h35 par mctyson
En fait ton titre n'est presque pas la question que tu te poses vraiment, car
pour dessiner il faut dessiner
c'est tout

en fait ce que tu poses comme question, c'est comment "bien" dessiner.
Ce qui fait se demander : qu'est ce que c'est un bon dessin.

Moi ce que j'aime dans le dessin c'est le processus qui fait transformer une sensation du monde (visuelle, de mouvement, de matière) en un autre objet (donc un dessin).
Un dessin très technique où je ne retrouve que des ficelles et des habitudes de dessin, et où il est manifeste que le dessinateur n'a rien transmis de son ressenti ne m'intéresse pas du tout.
Je vais donc te donner, en complètement du post très fourni et impressionnant de Zaik, quelques astuces et idées d'exercices pour développer une attitude de dessin dynamique et vivant. Tous ces conseils sont la propriété intellectuelle du prof où j'ai suivi des cours :p

Le dessin c'est physique, c'est du sport, donc la position du corps quand on dessine compte.
Tourner autour du modèle, choisir son angle, dessiner debout.

Dessiner tous les jours (calepin stylo, chaque fois que c'est possible que ce soit 1 minute ou 1 heure : un dessin)

Regarder plus le modèle que le papier

Chercher essayer raturer, ne pas chercher à faire un beau dessin mais chercher à être au plus prêt de ce qu'on voit

Dessiner sans lever son outil du papier (ça a l'air très con mais c'est radical, tu perçois tout de suite beaucoup mieux les volumes et les espaces)

Changer d'outils
, changer de support

Dessiner très vite
, sur des poses courtes de 1 minute

Le dessin c'est aussi son rapport à son support donc comme le disait Yragael, construire son dessin. Un très gros plan qui prend toute la page, un personnage allongé qui souligne l'horizontale d'un format paysage, une multitude de petits dessins qui se chevauchent les uns les autres...

Dessiner avec la main gauche (si tu es droitier, et l'inverse sinon) : avec notre main habituelle, on a tendance à court circuiter le ressenti au profit du savoir. C'est à dire qu'on va géométriser, on va faire un rond pour la tête, des barres pour les bras (caricatural of course). Avec l'autre main on n'a aucune habitude, aucun raccourci. On va juste chercher à coller au plus près de ce qu'on voit.

Ne pas avoir peur de rater, ça c'est idem séduction et la peur du rateau. Il faut se lancer, explorer etc

Dessiner à plusieurs : le premier commence le dessin une minute et le deuxième le complète la deuxième minute

Dans tous les cas, prendre plaisir, s'amuser, être bien :)

ps j'ai pas précisé mais tous ces conseils partent de l'idée de départ de l'exercice qui est de dessiner ce qu'on voit (modèle qui pose où juste le monde autour)
    Notes et commentaires reçus par ce post :
  • [+2] Intéressant le 11.09.15, 09h55 par Onmyoji
  • [+2] Tout à fait ! le 12.09.15, 09h52 par Zaik
Trés intéressant,nous avons tous un style de dessin différent en plus. Perso
ce sont les monstres ,les créatures étranges qui sont les plus faciles
à dessiner,mais par contre un cheval ;ou une personne cela devient beaucoup
plus dur,est ce que certaines personnes sur le forum ont des sujets plus
faciles à dessiner que d autres? c est instructif se confronter les visions que
nous avons du dessin.

https://scontent-cdg2-1.xx.fbcdn.net/hp ... 8296_o.jpg
voucny a écrit :En fait ton titre n'est presque pas la question que tu te poses vraiment, car
pour dessiner il faut dessiner
c'est tout

en fait ce que tu poses comme question, c'est comment "bien" dessiner.
Ce qui fait se demander : qu'est ce que c'est un bon dessin.

Moi ce que j'aime dans le dessin c'est le processus qui fait transformer une sensation du monde (visuelle, de mouvement, de matière) en un autre objet (donc un dessin).
Un dessin très technique où je ne retrouve que des ficelles et des habitudes de dessin, et où il est manifeste que le dessinateur n'a rien transmis de son ressenti ne m'intéresse pas du tout.
Je vais donc te donner, en complètement du post très fourni et impressionnant de Zaik, quelques astuces et idées d'exercices pour développer une attitude de dessin dynamique et vivant. Tous ces conseils sont la propriété intellectuelle du prof où j'ai suivi des cours :p

Le dessin c'est physique, c'est du sport, donc la position du corps quand on dessine compte.
Tourner autour du modèle, choisir son angle, dessiner debout.

Dessiner tous les jours (calepin stylo, chaque fois que c'est possible que ce soit 1 minute ou 1 heure : un dessin)

Regarder plus le modèle que le papier

Chercher essayer raturer, ne pas chercher à faire un beau dessin mais chercher à être au plus prêt de ce qu'on voit

Dessiner sans lever son outil du papier (ça a l'air très con mais c'est radical, tu perçois tout de suite beaucoup mieux les volumes et les espaces)

Changer d'outils
, changer de support

Dessiner très vite
, sur des poses courtes de 1 minute

Le dessin c'est aussi son rapport à son support donc comme le disait Yragael, construire son dessin. Un très gros plan qui prend toute la page, un personnage allongé qui souligne l'horizontale d'un format paysage, une multitude de petits dessins qui se chevauchent les uns les autres...

Dessiner avec la main gauche (si tu es droitier, et l'inverse sinon) : avec notre main habituelle, on a tendance à court circuiter le ressenti au profit du savoir. C'est à dire qu'on va géométriser, on va faire un rond pour la tête, des barres pour les bras (caricatural of course). Avec l'autre main on n'a aucune habitude, aucun raccourci. On va juste chercher à coller au plus près de ce qu'on voit.

Ne pas avoir peur de rater, ça c'est idem séduction et la peur du rateau. Il faut se lancer, explorer etc

Dessiner à plusieurs : le premier commence le dessin une minute et le deuxième le complète la deuxième minute

Dans tous les cas, prendre plaisir, s'amuser, être bien :)

ps j'ai pas précisé mais tous ces conseils partent de l'idée de départ de l'exercice qui est de dessiner ce qu'on voit (modèle qui pose où juste le monde autour)


Trés bon message :) et très instructif :) j ai essayé d éditer un dessin mais ça n a pas fonctionne..je réesaierais plus tard. Ah super le lien du dessin est bien présent dans le post au dessus,si vous voulez le voir n hésitez pas,et dire vos avis ;)
J en mettrais 2 ou 3 autres si c est possible.
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